El Patio De Mi Casa - Dossier De Prensa

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Dossier de prensa 22 de octubre al 29 noviembre de 2009 1 EXPOSICIÓN El patio de mi casa Arte contemporáneo en 16 patios de Córdoba “El patio de mi casa es particular, cuando llueve se moja como los demás. Agáchate y vuélvete a agachar, que los agachaditos no saben bailar…” (canción popular infantil) Comisario Gerardo Mosquera Proyecto Carlota Álvarez Basso Comisario asistente Óscar Fernández López Lugar 16 patios privados y monumentales de Córdoba (España) Organiza Diputación de Córdoba Producción ejecutiva Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí Promueve Fundación Córdoba Ciudad Cultural Colaboran Asociación de Amigos de los Patios Cordobeses, Asociación de Patios Cordobeses Claveles y Gitanillas, Junta de Andalucía (Museo Arqueológico y Etnológico de Córdoba, Museo de Bellas Artes de Córdoba), Universidad de Córdoba (Facultad de Filosofía y Letras), Ayuntamiento de Córdoba (Archivo Municipal de Córdoba, Museo Julio Romero de Torres), CajaSur (Palacio de Viana), Instituto Municipal de Desarrollo Económico y Empleo de Córdoba (IMDEEC) y los propietarios de patios Rafael Barón, Manuel Cachinero, Blanca Ciudad, Luisa María García, Araceli López, María Isabel Navajas y Julia Sesma. Fecha Del 22 de octubre al 29 noviembre de 2009 Horarios de apertura de patios Miércoles a viernes 16:00 a 20:00 h. / Sábados 10:00 a 14:00 y 16:00 a 20:00 h. /Domingos 11:00 a 14:00 h. 2 Presentación Los patios cordobeses, existentes desde el siglo X, son una de las señas de identidad más reconocibles de la ciudad. Un análisis de su innegable trascendencia podemos encontrarla en la excelente publicación Los patios cordobeses (Publicaciones de la Obra Social y Cultural de CajaSur, 2001), en cuyo prólogo se comenta: “Romanos, musulmanes y cristianos identificaron la cultura de los patios como una particular forma de pensar, ver, vivir y sentir la vida. A su modo y estilo, cada una de estas culturas convirtió los patios en puntos cardinales a los que, como brújula precisa, se orientaba toda la vida del hogar. Una philosophia vitae que se ha prolongado en el espacio y el tiempo hasta nuestros días, especialmente en los patios de las casas de vecinos, epifenómenos de una época que ya toca a su fin”. Si bien el Concurso Municipal de Patios, que se celebra en la ciudad desde 1933, y las actividades desarrolladas por la Asociación de Amigos de los Patios Cordobeses y la Asociación de Patios Cordobeses Claveles y Gitanillas han favorecido la conservación de los éstos últimos, tanto de los monumentales o conventuales como de los populares (ya sean privados o de vecinos), lo cierto es que los patios cordobeses han ido desapareciendo en pro del desarrollismo económico, de la “renovación arquitectónica” y de los cambios acaecidos en el modus vivendi de los ciudadanos. En este contexto, el objetivo de la exposición El patio de mi casa. Arte contemporáneo en 16 patios de Córdoba es múltiple. Por un lado, mediante una destacada selección de obras de arte contemporáneo realizadas por artistas de renombre, pretendemos realzar el valor patrimonial de esta ciudad dando a conocer al público nacional e internacional uno de los patrimonios culturales más característicos de Córdoba. Por otro, conseguir que, al tiempo que el visitante se aproxima al arte actual, pueda pasear por esta ciudad Patrimonio de la Humanidad. Por último, con esta propuesta pretendemos subrayar este capital patrimonial tan singular, al relanzar la visita a los patios en otoño (en complemento al mayo cordobés y su concurso de patios) al tiempo que atraemos hacia ellos a nuevos públicos, a los habituales visitantes de las exposiciones de arte contemporáneo. Con todo ello buscamos establecer nuevos diálogos entre el patrimonio artístico y el arte de hoy en día, creando un puente de comunicación entre el pasado cordobés y el presente artístico internacional, entre el espacio público y el privado, entre el interior y el exterior, dado que somos conscientes de que no puede pensar el futuro de Córdoba, y sus posibilidades, sin comprender el pasado en su relación con el presente. Córdoba en Clave 16: El futuro tiene raíces Con motivo de preparar la candidatura de la ciudad de Córdoba a la Capital Europea de la Cultura, la Fundación Córdoba Ciudad Cultural, entidad responsable de redactar dicho proyecto, ha promovido 16 actividades culturales de diversa índole que están siendo organizadas a lo largo del 2009 por las 4 instituciones públicas cordobesas que conforman la fundación: Ayuntamiento, Diputación de Córdoba, Junta de Andalucía y Universidad de Córdoba. Con esta programación, aglutinada bajo el epígrafe Córdoba en Clave 16: El futuro tiene raíces, se pretende situar la oferta cultural cordobesa en el panorama español e internacional. 3 Texto de Gerardo Mosquera sobre el proyecto “ Patios La exposición nace de una idea de Carlota Álvarez Basso, gerente de la Fundación 2016 Córdoba Ciudad Cultural: presentar obra de artistas contemporáneos en patios cordobeses, de modo que el público pueda disfrutar tanto de las obras expuestas como de los patios. Estos, como es sabido, constituyen uno de los patrimonios culturales más emblemáticos de Córdoba. Se trata además de un patrimonio vivo, es decir, un ámbito de vida cotidiana de la gente y no un cliché temático para el turismo. Más aún, los patios contribuyen a definir el rostro de esta ciudad y su rico perfil histórico, arquitectónico y de ambiente doméstico/urbano. Dan una imagensíntesis de la larga historia multicultural de Córdoba, sus químicas transculturales, su bricolage de elementos históricos, y la sensibilidad y sentido estético de sus habitantes. Con antecedentes en Mesopotamia y originado en el atrio de las viviendas de la Roma antigua, el patio fue desarrollado por la arquitectura árabe y mudéjar. Es un componente arquitectónico que alcanza su mayor esplendor en Al Andalus y de allí pasa a Iberoamérica, cuya arquitectura prebarroca se desenvuelve bajo el impacto de los alarifes mudéjares que cruzaban el Atlántico. Desde el sur de España, el patio se establecerá hasta hoy en la arquitectura iberoamericana, especialmente en el Caribe. Tan característico de la cultura de origen hispano ha devenido el patio que el término es una de las pocas palabras castellanas que se han instalado en otros idiomas. Los patios cordobeses son únicos, con la explosión de color y belleza que les brinda su barroquismo floral y su pozo, que reproduce la idea romana original del impluvium, de un ámbito relacionado con el almacenamiento de agua, el frescor, la humedad. El patio “cuando llueve se moja” –según dice la canción infantil que da título a la exposición—, combina compluvium e impluvium desde su plasmación en Roma. Así, la palabra patio procede del latín patere, que significa estar abierto y, precisamente, el lugar es un espacio de naturaleza, de wilderness controlada dentro de esa preservación contra la exterioridad que es toda casa. Es un sitio para ver y sentir el cielo. En otra dimensión, resulta también una suerte de plaza interior, un espacio que de cierto modo combina lo urbano (tránsito, reunión, cielo abierto…) con lo doméstico. Precisamente, los patios de las mezquitas cumplieron la función de plaza pública en ciudades con escasos espacios abiertos. En las casas de vecindad, sean las “corralas” españolas o los “solares” habaneros, el patio es el ámbito de vida en común. El patio es un pedazo de naturaleza y de ciudad dentro del hogar. La casa árabe, al igual que antes la griega y la romana, se cierra hacia el exterior como fortaleza protectora del mundo privado. Uno entra a través de una minúscula puerta e irrumpe en la deslumbrante generosidad de espacio, luz, color, sonido, olor y belleza del patio, un Edén privado. La cultura árabe es hedonista, sensual, y el patio es un lugar solar de disfrute. Más que un espacio, el patio cordobés es un ambiente estético y de convivencia. La arquitectura es recubierta allí por plantas, flores, decoraciones, 4 fragmentos de antiguas arquitecturas reciclados, a manera de ready mades, del fantástico acervo del pasado de Córdoba y sus ruinas históricas –en la vieja tradición del “acarreo” en la ciudad—, y, más que todo, por la calidez de la presencia y el intercambio humanos. Muestra Esta exposición propone invitar a 16 artistas de varios países a intervenir o a mostrar obras ya hechas en 16 patios cordobeses, un artista por patio. El número 16 está determinado por la cifra fija sobre la que se teje la campaña de Córdoba para obtener la capitalidad cultural europea en 2016. A partir de las consideraciones esbozadas en los párrafos anteriores, se han trazado los siguientes ejes para el concepto de comisariado: Diálogo. Ni las obras de arte se impondrán a los patios ni estos las ahogarán con su esplendor deslumbrante. El objetivo es conseguir un balance, más aún, una conversación mutuamente enriquecedora entre patios y arte contemporáneo. Esta conversación no debe ser un small talk cortés, diplomático, sino un intercambio complejo, dialógico en el sentido de Mijail Bajtín, en la dinámica de lo “ajeno-suyo” de que hablaba el teórico ruso. En esta dirección se retoma esa paradójica calidad de plaza pública doméstica que posee el patio. Las intervenciones artísticas pueden resultar mayores o mínimas según el caso, pero siempre procurarán este diálogo creador de sentido. La idea de diálogo, además, se corresponde con la larga tradición cordobesa –no exenta de imposiciones de poder— de intercambio entre culturas diferentes. Dos en uno. Muy estrechamente ligado con lo anterior se encuentra el hecho de que la muestra serán dos exposiciones en una: el público irá a ver el arte, pero también a admirar los patios, según se hace en las festividades de mayo en Córdoba. Se trata de una razón más para enfatizar el diálogo arte/patio, puntualizando la oferta doble que se hace a los visitantes y evitando que un aspecto se destaque sobre el otro. La muestra es a la vez de arte y de patios, y del intercambio entre ellos. Privado/público. La exposición tendrá lugar tanto en patios de instituciones públicas como en espacios privados que se abrirán a los visitantes. Según vimos, el patio es ya una presencia del exterior dentro del interior cerrado de la casa. La instalación de las obras de arte será como otra exterioridad bienvenida en el ámbito abierto del patio. Pero no debemos olvidar que aquellas estarán en un recinto privado, donde los residentes continuarán desenvolviendo su vida cotidiana. Es decir, no se puede pensar en el patio sólo como un lugar de exhibición: aquel seguirá siendo un espacio habitado, y las obras no podrán entorpecer o afectar negativamente la vida de los residentes. Esta constricción, lejos de resultar negativa, puede ser del mayor interés. No por el desafío de lograr un balance productivo, sino porque permitirá pulsar e investigar la relación entre los ámbitos privado y público, entre arte y vida diaria. Podría incluso constituir un motivo de trabajo para algunos artistas participantes. Sotto voce. El punto anterior me lleva a pensar en una muestra suave, sutil, que origine una conversación en voz baja entre arte y patios. Prevalecerá un espíritu 5 delicado, tranquilo, refinado, tanto en los aspectos formales como conceptuales de la exhibición. Tema. No habrá tema en cuanto asunto específico a partir del cual se escogerán las obras. El concepto de la exposición girará sobre los puntos esbozados anteriormente. Cada uno de los 16 patios constituirá un encuentro particular entre patio y obra de arte, una suerte de micro-exposición que poseerá su propio contenido y visualidad. El “tema” de la muestra serán los patios como ámbitos estéticos, culturales, históricos y de significación. Recorrido. Aunque los patios seleccionados se encuentran a todo lo largo del casco histórico, se tramará y señalizará un recorrido claro y viable para los visitantes. La ciudad vieja es laberíntica como pocas, pero el área total donde se encuentran los patios no es tan extensa. El recorrido permitirá al público disfrutar del extraordinario ámbito urbano donde se encuentran los patios, así como visitar numerosos puntos de interés en un ámbito pleno de fascinaciones históricas y sorpresas. Quizás alguien se pierda un poco, pero nadie se aburrirá. ” 6 Sobre el comisario, Gerardo Mosquera Gerardo Mosquera (La Habana, 1945). Crítico, curador e historiador de arte independiente. Curador adjunto del New Museum of Contemporary Art, Nueva York. Asesor de la Academia de Bellas Artes del Estado de Holanda. Miembro de los consejos editoriales de varias revistas internacionales. Fundador de la Bienal de La Habana. Entre sus últimas exposiciones: -7 + 1 Project Rooms, MARCO, Vigo, 2008. -States of Exchange, INIVA, Londres, 2008. -Transpacífico. Un encuentro en Santiago, Centro Cultural Palacio La Moneda, Santiago de Chile, 2007. -Liverpool Biennial International 2006. -Cordially Invited, BAK y Museo Central de Utrecht, 2004. -Panorama da Arte Brasileira (Desarrumado). 19 Desarranjos, Museu da Arte Moderna, Sao Paulo, Paço Imperial, Río de Janeiro, 2003, Museo de Arte Moderno Aloísio Magalhaes, Recife, 2004, MARCO, Vigo, 2005, Museo de Arte del Banco de la República, Bogotá, 2008. -CiudadMúltipleCity. ArtePanamá 2003 (proyecto internacional de arte urbano). -No es sólo lo que ves. Pervirtiendo el minimalismo, Centro Reina Sofía, Madrid, 2000. -Cildo Meireles, New Museum, Nueva York, 1999. Entre sus últimos libros: -Copiar el Edén. Arte reciente en Chile (editor), Santiago, 2006. -CiudadMúltipleCity.Urban Art and Global Cities: an Experiment in Context (coeditor), Amsterdam, 2005. -Over Here. International Perspectives on Art and Culture (co-editor), Cambridge y Londres, 2004. -Beyond the Fantastic. Contemporary Art Criticism from Latin America (editor), Londres, 1995. -Contracandela, Caracas, 1995. -El diseño se definió en Octubre, La Habana, 1989, Bogotá, 1991. Ha publicado más de 600 ensayos, artículos y comentarios en publicaciones de muchos países. Ha organizado y participado en numerosos simposios internacionales, y dictado conferencias y seminarios en universidades y otras instituciones de un centenar de ciudades. Recibió la Beca Guggenheim, Nueva York, en 1990, y el capítulo argentino del AICA lo eligió como crítico latinoamericano de más importante trayectoria (ex aequo con Paulo Herkenhoff). 7 Listado de artistas y patios 1. Mounira Al Solh (Líbano/Amsterdam) / Calle Martín de Roa, 2 2. Magdalena Atria (Chile) / Calle San Basilio, 50 3. Fernando Baena (España) / Calle Pastora, 2 4. Cai Gou-Qiang (China/NY) / Archivo Municipal de Córdoba, patio principal, calle Sánchez de Feria, 6 5. Mariana Castillo Deball (México/Berlín) / Museo Arqueológico de Córdoba, Patio de la Grada, Plaza Jerónimo Páez, 7 6. Carlos Garaicoa (Cuba) / Facultad Filosofía y Letras, patio Departamento de Arte. Plaza Cardenal Salazar. (*) 7. Federico Guzmán (España) / Archivo Municipal de Córdoba, patio de recibo, calle Sánchez de Feria, 6 8. Mona Hatoum (Reino Unido) / Palacio de Viana, Patio de la Cancela. Plaza de de Don Gome. (*) 9. Kan Xuan (China) / Calle Maese Luis, 22. (*) 10. Glenda León (Cuba) / Calle Isabel II, 1 (*) 11. Cristina Lucas (España) / Casa de las Campanas, calle Siete Revueltas, 21 12. Rubens Mano (Brasil) / Patio de los Museos de Bellas Artes y Julio Romero de Torres de Córdoba, Plaza del Potro, s/n. 13. Priscilla Monge (Costa Rica) / Calle La Palma, 3 (*) 14. Jorge Perianes (España) / Patio del Palacio de Orive, Plaza de Orive, 2. 15. Nedko Solakov (Bulgaria) / Calle Parras, 5. 16. Nina Yuen (EUA/Amsterdam) / Calle San Basilio, 17. (*) A destacar: •La exposición se realizará tanto en patios populares (en azul) como en patios monumentales (en rojo). •Reunirá a artistas españoles (4) e internacionales (12). •La muestra traerá a Ćórdoba a artistas de renombre internacional como Carlos Garaicoa, Mona Hatoum y Priscilla Monge. •Será la primera exposición en España de artistas como Magdalena Atria, Mounira AlSolh y Nina Yuen •De los 16 proyectos en exhibición, seis serán adaptaciones de proyectos preexistentes (*), mientras que el resto se producirán ex professo para la muestra. •Para facilitar la contemplación de la exposición, se han organizado una serie de visitas guiadas que recorrerán distintas zonas de la ciudad. Así mismo, se ha editado un plano-guía. •El éxito de la propuesta surgida desde Córdoba como plataforma de conexión del patrimonio y el arte contemporáneo ha propiciado la organización de un proyecto similar en Quito (Ecuador), comisariado igualmente por Gerardo Mosquera. Otras ciudades también se han mostrado interesadas en repetir la experiencia. 8 Dossier de artistas de la exposición 9 1 Artista: Mounira Al Solh (Líbano/Amsterdam) Patio: Calle Martín de Roa, 2. Patio privado. Obra: Ambulant Megaphone (Megáfono ambulante) How Can We Do This Without a Photocopy Machine? (¿Cómo podemos hacer esto sin una fotocopiadora?), 2009 Instalación audiovisual y textos impresos suspendidos de la vegetación. El proyecto consiste en la reproducción de una serie de sonidos del “Khutbat Al Jumaa” (la oración del viernes) grabados en mezquitas cercanas al estudio de la artista en Beirut, que devuelve a Córdoba el sonido de los alminares. Rodeando a esta obra, que se presenta a modo de instalación audiovisual, se han suspendido de las macetas del patio una serie de proverbios árabes impresos en tiras de papel. Ambas piezas funcionan como episodios de un proyecto unitario que se propone confrontar los signos vivos de la tradición musulmana, en este caso el habla, con las circunstancias que definen al Islam actual y la realidad cotidiana de los musulmanes. En el ánimo de la artista se encuentra el identificar los escenarios donde perviven los posos del pasado. Al mismo tiempo que se pone de manifiesto la diversidad con que este acervo es gestionado por las sociedades modernas. This project replays the sound of the “Khutbat Al Jumaa” (Friday prayers) recorded at mosques near the artist’s Beirut studio, giving back to Córdoba the sound of the minarets. Strips of paper bearing printed Arabic proverbs have been suspended over the plants surrounding the audiovisual installation. The two pieces can be seen as episodes in a single project which seeks to contrast the living echo of Muslim tradition – in this case, speech – with the defining features of modern Islam and the everyday lives of Muslims. Through this contrast, the artist aims not only to locate those places where vestiges of the past still survive, but also to highlight the diversity with which this heritage is managed by modern society. 10 MOUNIRA AL SOLH: Nació en Beirut en 1978. Estudió pintura en la Universidad Libanesa y Bellas Artes en la Academia Gerrit Rietveld, Amsterdam. Fue residente en la Rijksakademie, Amsterdam (2007-2008). Muestras colectivas recientes: Beirut Art Center (2009), Líbano; 11ª Bienal Internacional de Estambúl (2009); Pabellón Libanés de la Bienal de Venecia, 2007; Van Abbe Museum, 2008, Eindhoven. En 2007 obtuvo el premio del jurado en VideoBrazil, y el premio Uriot de la Rijksakademie. 11 2 Artista: Magdalena Atria (Chile) Patio: Calle San Basilio, 50. Patio privado. Obra: El espejo de tinta (The Ink Mirror), 2009 Intervención específica: pintura con plastilina. Habituada a trabajar en la neutralidad del museo, la artista afronta aquí un verdadero reto: Hacer dialogar su trabajo, basado en la elaboración de unos vistosos murales de inspiración orgánica, con un entorno igualmente suntuoso. Para ello, la artista ha desplegado su particular revisión de la tradición pictórica de un modo más expansivo. Siendo muy reconocible en otros de sus trabajos la voluntad de trabajar con la dimensión espacial de la pintura, podemos decir que ha sido en Córdoba donde este camino ha alcanzado un nuevo registro. Un registro donde la materia y el color fluyen como nunca antes por el patio, trepando y serpenteando por doquier. Magdalena Atria is more used to working in the neutral surroundings of a museum, so this project presented a major challenge: to ensure a dialogue between her beautiful, organically-inspired murals and the equally sumptuous setting. To meet this challenge, she has broadened her personal approach to the pictorial tradition. Her desire to explore the spatial dimension of painting, already discernible in earlier work, has undoubtedly led her to a whole new register in Córdoba, where substance and colour flow freer than ever, winding and twisting over the whole courtyard. MAGDALENA ATRIA Vive y trabaja en Santiago de Chile. Estudió en la Universidad Católica de Chile y en Parsons School of Design, Nueva York. Ha expuesto individualmente en Santiago, en Sala Gasco (2009), Galería Gabriela Mistral (bipersonal, 2004), Galería Animal (2004) y Galería Bech (2000), y en Nueva York en la Galería George Billis (1999 y 2001). Muestras colectivas principales: MOCA, Los Angeles (2007); VI Bienal de Mercosur, Porto Alegre (2007); Chateau de Tours (2007); Centro Cultural Palacio La Moneda, 12 Santiago (2006); Museo de Arte Contemporáneo, Santiago (2006); Jack S. Blanton Museum of Art, Austin (2005). 13 3 Artista: Fernando Baena (España) Patio: Calle Pastora, 2. Patio privado. Obra: Córdoba 2016 Caracoles (Cordoba 2016 Snails), 2009. Instalación de 2016 caracoles vivos y policromados. El patio de mi casa implica la incursión en un ámbito privado para realizar un proyecto artístico. Esta circunstancia matriz ha sido interpretada por el artista como una invitación para producir un trabajo colaborativo que requiere de un alto nivel de implicación por parte de los habitantes del patio. En su proyecto, Baena involucra de un modo directo a Rafael Barón, propietario de la casa, empleando sus habilidades profesionales para dorar 2016 caracoles vivos. Estos animales, tan característicos del ecosistema del patio cordobés, se instalarán en el patio constituyendo una pequeña colonia de áureos moradores. La pieza, que nunca abandona su condición de “en proceso”, es resultado de un singular y fascinante modo de entender la vida en el patio. The Sky Within My House entails the invasion of a private space in order to carry out an art project. Baena has interpreted this essential requirement as an invitation to create a work of art demanding considerable input from the courtyard’s residents. Indeed, his project directly involves Rafael Barón, the house’s owner, who has been persuaded to apply his professional skills to the gilding of 2016 live snails. The snails, a characteristic feature of the Cordoban courtyard ecosystem, are to be installed there, forming a miniature colony of golden residents. This creation, which never ceases to be “work in progress”, conveys a uniquely fascinating understanding of life in the courtyard. FERNANDO BAENA Estudió Bellas Artes en Madrid, donde reside. Muestras colectivas recientes: Matadero, Madrid (2009); Medialab Prado, Madrid (2008); “Madrid Procesos” (2008); “Madrid Abierto” (2005 y 2008); 4º Ciclo de Vídeo de la ONG. Caracas (2008); OFF 14 LIMITS, Madrid (2007); Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona (2007); DiVA (Digital and Video Art Fair), Nueva York (2005 y 2007); Galería Magda Bellotti, Madrid (2005) y “BIDA”, Tesalónica y Sevilla (2005). 15 4 Artista: Cai Guo-Qiang (China/NY) Patio: Archivo Municipal, segundo patio. Calle Sánchez de Feria, 6. Obra: Moving Garden (Jardín en movimiento), 2009. Tortugas con caparazón invertido La fascinación por todo aquello que significa cambio de estado y por la condición siempre dinámica de la naturaleza define este trabajo. El artista ha tomado la figura de la tortuga, un animal lleno de simbolismo en la tradición china, como pieza básica sobre la que armar una instalación llena de poesía. Sobre el caparazón de dos de estos animales milenarios se han fijado una serie de elementos que hacen alusión a los componentes habituales que conforman un jardín. Posados sobre las tortugas vivas, que se moverán a su voluntad por el patio, estos elementos configuran una especie de archipiélago de pequeños jardines. Aunque también podrían interpretarse como partes de un singular jardín en movimiento. This project highlights the artist’s fascination with everything that implies a change of state, and with Nature as an ever-dynamic force. He has used the figure of the tortoise, an animal rich in symbolism according to Chinese tradition, as the basis for a highly-poetic installation. Objects have been attached to the shells of two of these ancient animals, in an allusion to the elements often found in gardens. Moving freely around the courtyard on top of live tortoises, they form a kind of archipelago of tiny gardens – though they may also be seen as elements of a single garden in motion. CAI GUO-QIANG Nació en 1957 en Quanzhou, China. Desde 1995 vive en Nueva York. Estudió escenografía en el Instituto de Teatro de Shanghai, y cursó estudios en el Instituto de Investigaciones Artísticas de la Universidad de Tsukuba, Japón. Entre sus premios: Japan Cultural Design Prize (1995); Benesse Prize de la 46ª Bienal de Venecia (1995); León de Oro de la 48ª Bienal de Venecia (1999); Arts/Alpert Award in the Arts (2001); 7th Hiroshima Art Prize (2008); Fukuoka Prize for Arts and Culture (2009). Entre sus muestras recientes: retrospectiva presentada en el Guggenheim Museum, Nueva York, el National Art Museum de China (2008) y en el Guggenheim Museum Bilbao (2009); Metropolitan Museum of Art, Nueva York (2006); MoMA, Nueva York (2002). Fue 16 miembro del equipo creativo y director de efectos especiales y visuales de las ceremonias de apertura y clausura de los Juegos Olímpicos de 2008 en Beijing. Cai comisarió el primer pabellón de China en la 51ª Bienal de Venecia (2005) y “BMoCA: Bunker Museum of Contemporary Art”, Kinmen, Taiwan (2004). 17 5 Artista: Mariana Castillo Deball (México/Berlín) Patio: Museo Arqueológico de Córdoba, Patio de la Grada. Plaza Jerónimo Páez, 7. Obra: La inconstancia del alma salvaje (The Inconsistency of the Wild Soul).2009 Instalación de plantas naturales. La condición de inestabilidad que determina a todo ente vivo es parte sustancial del trabajo concebido por la artista para el lugar. Su propuesta consiste en la instalación de una serie de plantas naturales minuciosamente podadas a imitación de las piezas arqueológicas que aquí se conservan. Estas “esculturas hermanas”, pero de naturaleza vegetal e inconstante, entablan un singular diálogo con las preexistentes. Un diálogo entre lo vivo y lo muerto, lo mutante y lo inerte, que al inicio se expresa en términos de analogía o imitación. Pero que, con el transcurso de la exposición, traza un camino de diferenciación radical en el que el azaroso suceder de la vida se confronta con unos vestigios que parecen más inanimados que nunca. This installation, specially created for the courtyard, seeks primarily to explore the unstable nature of all living things. The artist has painstakingly pruned live plants to resemble the archaeological remains displayed in the courtyard. An intriguing dialogue arises between these ephemeral “sister sculptures” and their original stone counterparts; a dialogue between the living and the dead, between the changing and the inert. At first, the dialogue is expressed in terms of analogy or imitation, yet as the exhibition progresses it draws a radical distinction between the fleeting fickleness of nature and the underscored lifelessness of the ruins. MARIANA CASTILLO DEBALL Nació en 1975 en la Ciudad de México. Estudió artes visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, México DF, y realizó estudios de postgrado en la Jan van Eyck 18 Academie, Maastricht. Entre sus proyectos recientes: intervenciones en las bibliotecas públicas de Berlín, París y Nueva York; Instituto Internacional de Historia Social, Amsterdam; Museo Carrillo Gil, México DF; Objectif_exhibitions, Amberes, y Kunsthalle Sankt Gallen, Suiza. 19 6 Artista: Carlos Garaicoa (Cuba) Patio: Facultad de Filosofía y Letras, segundo patio. Plaza de Cardenal Salazar. Obra: Nueva versión de la instalación: Principios básicos para destruir (Basic Principles to Destroy).2007-2009 Instalación con azucar y hormigas, 243 x 121,5 x 150. Azúcar blanco y moreno, hormigas, plexiglás y madera. La obra toda de este artista es un diálogo con la ciudad y la arquitectura, a partir de su trabajo inicial con las ruinas de La Habana. Garaicoa es una suerte de arqueólogo artístico de la urbe contemporánea, que crea metáforas de largo alcance –a menudo críticas y filosóficas— acerca de la historia y los problemas del mundo de hoy. Principios básicos para destruir es una ciudad de azúcar que va siendo devorada por las hormigas que habitan en el patio. Con humor, la pieza plasma un mensaje general acerca del paso demoledor del tiempo, y las relaciones entre obra humana y naturaleza, en una suerte de declaración ecologista al revés. Ever since his early pieces based on Havana’s ruins, Garaicoa’s work has involved a dialogue with the city and with architecture. He is, in a sense, an artistic archaeologist of the contemporary city, creating long-range metaphors – often critical and philosophical – of the history and problems of today’s world. Basic Problems to Destroy is a city of sugar, which is gradually devoured by the ants that live in the courtyard. This installation conveys, with a touch of humour, a general message about the ravaging effects of time, and about the relationship between the works of man and those of nature, in a kind of inverted ecologist statement. 20 CARLOS GARAICOA Nació en 1967 en La Habana. Vive entre La Habana y Madrid. Estudió termodinámica, y luego pintura en el Instituto Superior de Arte (1989-1994). Tiene obras en las colecciones de: Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana; Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; MUSAC, León; Museum of Fine Arts, Texas; MOCA, Los Ángeles; MoMA y Guggenheim Museum, Nueva York; Tate Modern, Londres; Centro George Pompidou, París. Su obra ha estado presente en eventos como: Trienal de Auckland, Nueva Zelanda, 2007; IV Bienal de Liverpool, 2006 y Documenta XI, 2002. Entre sus exposiciones individuales recientes destacan: La enmienda que hay en mí, Museo de Bellas Artes de La Habana, 2009; ¿Revolución o Rizoma? para Galleria Continua, Beijing, 2008; Capablanca’s real passion, I.C.A del Philadelphia, 2007. 21 7 Artista: Federico Guzmán (España) Patio: Archivo Municipal, primer patio, calle Sánchez de Feria, 6. Obra: Paraísos naturales. Jardín de plantas Sagradas y Medicinales (Natural Paradises. A Garden of Sacred and Medicinal Plants), 2009. Instalación El proyecto contempla la realización e instalación de un conjunto de plantas construidas en goma espuma y silicona. Las plantas se han colocado en macetas y en un parterre construido con madera y tierra artificial, repartiendo cada pieza por el espacio cuadrangular del patio e invitando a explorarlo. En diálogo con el carácter de archivo de la institución que lo acoge, este jardín sagrado y medicinal constituye un vademécum de plantas de poder cultivadas en diferentes culturas del mundo como alimento del cuerpo, la mente y el espíritu. El título de la intervención Los Paraísos naturales es una cita del ensayo del botánico Jonathan Ott que cuestiona la caracterización que hace Baudelaire de las drogas como “paraísos artificiales”, reivindicando el carácter natural del milenario uso de enteógenos por la humanidad. The artist has built and installed a set of plants made of foam and silicone. The plants, in pots and in a wooden flowerbed containing artificial soil, have been randomly placed around the square courtyard, inviting exploration. In keeping with the role of the archive that hosts the installation, this sacred and medicinal garden serves as a compendium of the power plants grown in different cultures all over the world as food for the body, the mind and the spirit. The title Natural Paradises alludes to an essay by botanist Jonathan Ott which questions Baudelaire’s description of drugs as “artificial paradises”, underlining the natural character of the entheogens used by man for thousands of years. 22 FEDERICO GUZMAN Reside en Sevilla. Entre sus últimas exposiciones individuales: Benveniste Contemporary, Madrid (2009); Pepe Cobo, Art Basel Miami (2007); Fundació Antoni Tàpies, Barcelona (2001); Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla, 2001. Entre sus muestras colectivas recientes: Festival de Cultura Panafricana, Argel (2009); Encuentros Internacionales de Arte Artifariti 08, Tifariti, Territorios Liberados del Sahara Occidental (2008); Sala Alcalá 31, Madrid (2007); Encuentro Internacional Medellín 2007, Museo Universitario. 23 8 Artista: Mona Hatoum (Reino Unido) Patio: Palacio de Viana, patio de la Cancela, Plaza de Don Gome. Obra: Hanging Garden (Jardín colgante), 2008.Sacos de yute, tierra y hierba. 150 x 450 x 90 cm. A lo largo de su carrera ha creado obras de apariencia simple para activar comentarios agudos y sobrecogedores acerca de la opresión, la violencia, el control y otros temas candentes. Su trabajo mezcla las esferas pública y privada y la dimensión social y subjetiva, haciéndonos tomar conciencia de la intrincada red de relaciones de poder en que se desenvuelven nuestras vidas. Sus instalaciones y esculturas dislocan las funciones originales de objetos cotidianos de un modo a la vez poético y perturbador, descubriendo la violencia subyacente. En su obra aquí ocurre el proceso contrario: de la barricada militar que interrumpe el acceso al patio brota la hierba, la vida en vez de la muerte, deviniendo un jardín colgante. Throughout her career, Mona Hatoum has used apparently simple creations to make startlingly perceptive statements about oppression, violence, control and other burning issues. Her work weaves together the public and the private, the social and the subjective, making us acutely aware of the tangled web of power relationships that shapes our daily lives. Her installations and sculptures dislocate the functions of everyday objects in a way which is at once poetic and disturbing, to lay bare their underlying violence. Here, however, the process has been reversed: the military barricade that blocks access to the courtyard starts to sprout grass – life rather than death –and gradually turns into a hanging garden. MONA HATOUM Nació en el seno de una familia palestina en Beirut en 1952. Vive y trabaja en Londres y Berlin. Entre sus muestras colectivas: Turner Prize (1995), Bienal de Venecia (1995 y 2005), Bienal de Estambúl (1995), Documenta XI, Kassel (2002), Bienal de Sydney (2006), Tercera Trienal de Auckland (2007) y Cuadrienal de Arte Contemporáneo, Copenhague (2008). Entre sus muestras individuales: Centre 24 Pompidou, Paris (1994), Tate Britain, Londres (2000); Magasin 3, Estocolmo (2004); Hamburger Kunsthalle (2005); Kunstmuseum Bonn (2005); Museum of Contemporary Art, Sydney (2005), Fondazione Querini Stampalia, Venecia (2009). 25 9 Artista: Kan Xuan (China) Patio: Calle Maese Luis, 22. Patio privado. Obra: A Happy Girl (Una Muchacha Feliz), 2002 Video-performance 1:18 minutos Kan Xuan es una de las más destacadas artistas jóvenes de China. Toda su obra se centra en el video, casi siempre con la participación de la propia artista, como en la obra que aquí se presenta. Una muchacha feliz es un sencillo y poético adagio. La artista, desnuda, se coloca sobre un pedestal de estatua en un jardín, adoptando desde posturas escultóricas “clásicas” hasta pasos de baile actuales. Es una pieza lírica y juguetona acerca del cuerpo real y su representación, el aura trascendental del arte y la sencillez humana, lo frágil y lo permanente, el pasado icónico plasmado en estatuas y monumentos y el “ahora y aquí” espontáneo de la juventud. Kan Xuan is one of China’s leading young artists. Her oeuvre focuses on the use of videos, in which – as here – the artist herself almost always appears. A Happy Girl is a simple, poetic adagio. The artist stands naked on a plinth in a garden, assuming various postures ranging from “classical” sculptural poses to contemporary dance steps. This is a playful, lyrical comment contrasting the real body with representations of it, the transcendental aura of art with human simplicity, the fragile with the permanent, the iconic past hewn in statues and monuments with the spontaneous “here and now” of youth. KAN XUAN Nació en 1972 en Xuan Cheng. Vive y trabaja en Beijing y Amsterdam. Entre sus muestras colectivas: X Bienal de Estambul (2007); 52ª Bienal de Venecia (2007); Serpentine Gallery, Londres (2006); II Trienal de Guangzhou, China (2005); Prix de 26 Rome 2005, De Apple, Amsterdam; Centre Pompidou, Paris (2003); Museo de Arte Moderno de São Paulo (2003); Tokyo Opera City Art Gallery, Tokyo (2002). Ha sido artista residente en Yorkshire ArtSpace Society, Sheffield (2007-2008), y en la Rijksakademie, Amsterdam (2002-2003). 27 10 Artista: Glenda León (Cuba) Patio: Calle Isabel II, 1. Patio privado. Obra: Jardín interior (Interior Garden), 2009 Instalación de tallos de mimbre y elementos de pasamanería. La artista ha creado flores inesperadas con los adornos de la ropa interior femenina que ha recopilado a través de una convocatoria pública en la ciudad, dispersándolas entre la vegetación del patio. Esta operación pulsa los mismos resortes sobre los que se ha producido el cambio en el concepto mismo del patio moderno local. Ambos abandonan la vieja idea de lo doméstico y de lo “interior” como dominio exclusivo de una privacidad sujeta a normas muy precisas. Y se instalan en una noción mucho más difusa de lo íntimo que lo legitima como espacio donde la acción pública también ha de tener lugar. Glenda León has created unexpected flowers composed of bows from ladies’ underwear, collected through a local public appeal and dispersed throughout the patio. The result presses the same triggers that have changed the very concept of the modern local courtyard. In both cases, the old idea of the domestic and the “interior” as the exclusive preserve of a privacy governed by very strict rules has given way to a much more blurred notion of the intimate, as a space in which public action is also legitimate. GLENDA LEÓN 28 Nació en La Habana en 1976, donde vive y trabaja. Entre sus muestras individuales: Le Plateau Espace Expérimental, Paris (2007); Optica Gallery, Montreal (2006); Galerie m:a contemporary, Berlín (2005); Galería 23 y 12, La Habana (2003). Entre sus muestras colectivas: Brooklyn Museum, Bronx Museum y Exit Art, Nueva York; Badischen Kunstverein, Karlsruhe; CCA Wattis Institute, San Francisco; City Art Museum Ljubljana; The Mattress Factory, Pittsburgh Bienal de la Habana (2010). Tiene obra en las colecciones de: Centre George Pompidou, Paris; The Museum of Fine Arts, Houston; Rhode Island School of Design Museum, Providence, y Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana. 29 11 Artista: Cristina Lucas (España) Patio: Casa de las Campanas, calle Siete Revueltas, 21. Obra: Alicia de Córdoba (Alice of Córdoba). Instalación, 2009. ¿Qué pasaría si la literatura se hiciera carne y la fantasía de Lewis Carroll se materializara en un patio de Córdoba? Este parece haber sido el punto de origen de la propuesta de Cristina Lucas para el patio de la Casa de las Campanas. Dotando a su trabajo de una plasticidad y escala inusuales, la artista ha construido una giganta atrapada por una arquitectura que, de repente, se ha convertido en prisión. La contundencia espacial de la obra no hace sino potenciar la fuerza simbólica de la intervención. De modo que ésta se puede interpretar también como una colosal metáfora de esas formas de opresión que se disimulan tras el barniz amable del hogar. What if literature were to become flesh, and Lewis Carroll’s fantasy were to spring to life in a Córdoba courtyard? This seems to have been the starting-point for Cristina Lucas’ project for the courtyard at the Casa de las Campanas, an unusually large-scale and immensely expressive achievement, in which a giant girl has been trapped by an architecture that has suddenly turned into a prison. The unyielding spatial impact of this creation merely serves to enhance its symbolic force; the giantess may thus be seen as a colossal metaphor for those forms of oppression that lie concealed beneath the friendly veneer of the home. CRISTINA LUCAS 30 Nació en Jaén en 1973. Vive y trabaja entre Madrid y Paris. Estudió en la Universidad Complutense de Madrid e hizo un master en la Universidad de California Irvine. Fue residente en la Rijksakademie, Amsterdam. Entre sus muestras colectivas: X Bienal de La Habana (2009); XXVIII Bienal de São Paulo (2008); Centro Cultural Montehermoso, Vitoria (2008);X Bienal de Estanbul (2007). Entre sus muestras individuales: Centro de Arte 2 de Mayo, Madrid (2009), Stedelijk Museum of Schiedam, Holanda (2008). Tiene obra en las colecciones de: Centre Georges Pompidou, París; Kiasma, Helsinki, y MUSAC, León. 31 12 Artista: Rubens Mano (Brasil) Patio: Museo de Bellas Artes y Museo de Julio Romero de Torres, patio principal, Plaza del Potro, s/n. Obra: Las cosas son como son (Things Are The Way They Are). Intervención en la fuente del patio y en las salas de los museos. El proyecto está articulado alrededor de tres acciones: la captación sonora mediante un micrófono de un intermitente ruido metálico provocado por el chorro de agua situado en el centro de la fuente, la captación por varias cámaras de imágenes procedentes de un segundo patio –cerrado al público—situado al fondo del Museo de Bellas Artes y que fue pintado por Romero de Torres, y la transmisión en tiempo real de ese sonido e imágenes al interior de las salas expositivas de los dos Museos mediante pantallas y audífonos en circuito cerrado. Mano también ha colocado fotos antiguas del patio dentro de los museos. Como en otras ocasiones, el artista articula una práctica que hace de la institución que la acoge su material de trabajo. De manera que su propuesta consiste básicamente en subrayar ciertos elementos, que de otro modo habrían permanecido invisibles, así como en proponer nuevas estrategias para usar y explicar el lugar. Mano’s project is structured around three elements: he uses a microphone to capture the steady metallic tinkle of water from the jet at the centre of the patio’s fountain; he places several cameras to take images of a second courtyard at the back of the Museo de Bellas Artes –which is closed to the public and was painted by Romero de Torres—, and he transmits live sound and images into the exhibition 32 rooms of the two Museums using monitors and earphones. Mano has also placed old photos of the patio inside the Museums’ space. As in earlier projects, the artist turns the venue into his own work of art, highlighting elements which would otherwise have remained invisible, as well as suggesting new strategies for using and explaining the venue itself. RUBENS MANO Nació en 1960. Vive y trabaja en São Paulo. Entre sus muestras colectivas: XXV y XXVIII Bienales de São Paulo (2002 y 2008), Bienal de Sydney (2004), inSite, Tijuana/San Diego (2005). Entre sus muestras individuales recientes: Galería Casa Triângulo y Pinacoteca del Estado, ambas en São Paulo. 33 13 Artista: Priscilla Monge (Costa Rica) Patio: Calle La Palma, 3. Patio privado. Obra: Flow (Flujo), 2009 Intervención en la fuente del patio. La intervención de la artista es tan mínima como sobrecogedora: de la fuente del patio brota sangre en vez de agua. Esta mudanza pone en crisis todo el plácido ambiente tradicional del patio. La ambigüedad, como también la doblez y la contención refinada que esconde violencia, caracterizan la obra de Monge. Lo más inquietante es que todo parece correcto, apacible, en su lugar. Sus piezas connotan la presencia de la crueldad en lo cotidiano, y los cruces a menudo imperceptibles entre violencia, placer, amor, ternura. Un juego de desplazamiento y paradójicas subversiones dan a su obra un inusitado filo crítico, con denuncias de los abusos contra la mujer. This creation is at once minimal and shocking: blood, rather than water, flows from the fountain. This substitution upsets the traditionally tranquil atmosphere of the courtyard. Ambiguity, duplicity and a refined restraint concealing an underlying violence are characteristic features of Monge’s work. The result is all the more disturbing because everything seems so right, so peaceful, so settled. Her work hints at the cruelty present in everyday things, at the often-imperceptible shading between violence and pleasure, love and tenderness. The play of shifting values and paradoxical subversion gives her work an unusually critical edge, particularly when used to condemn the abuse of women. PRISCILLA MONGE Nació en 1968. Vive y trabaja en San José, Costa Rica. Entre sus muestras colectivas: Bienal de Valparaíso (1994); VI Bienal de la Habana (1997); XXIV Bienal de São Paulo 34 (1998); 49ª Bienal de Venecia (2001); Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2001); PS1, Nueva York (2003); Bienal de Sevilla (2004); Liverpool Biennial International (2006); Nuit Blanche, París (2009). Entre sus muestras individuales: Museum Van Heddedaagse Kunst, Gante; Museo Rufino Tamayo, México DF (2000); Museo de Arte Costarricense, San José (2002). 35 14 Artista: Jorge Perianes (España) Patio: Palacio de Orive, patio principal, Plaza de Orive, 2. Obra: Engañan patios y plantas prometiendo lo que no dan (Patios and Plants Deceive by Promising what They Don't Give), 2009. Instalación. El artista ha producido un trabajo monumental que funciona también como un gesto lleno de contundencia. Frente a la lógica exhibicionista que están adoptando el conjunto de patios privados y públicos de la ciudad, Perianes propone restituir la clausura como elemento consustancial al patio. A modo de celosía revisitada, se ha construido una gran pared de madera que ciega el área interior del patio del Palacio de Orive. Esta pared sólo permite el acceso de la mirada al ámbito interior, recién creado, a través de una serie de pequeñas hendiduras. Se crea así una nueva estancia, un nuevo interior semi-privado en el patio, donde el artista ha desplegado una instalación llena igualmente de misterio e intensidad. Perianes has created a large-scale installation which can also be seen as a strong statement. Countering the current trend towards a more exhibitionistic use of the city’s public and private courtyards, Perianes advocates a return to enclosure as an inherent feature of the courtyard. To this end, he has erected a large wooden wall – a modern-day lattice window – that blocks off the inner areas of the courtyard at the Palacio de Orive. We can only peep, through a series of small slits in the wall, at the newly-designed interior. The artist thus creates a new room, a new semi-private interior within the courtyard, where he has placed an equally intense, mysterious installation. JORGE PERIANES Nació en Ourense en 1974. Reside en Vigo y Berlín. Entre sus muestras individuales: Galería Ad Hoc Vigo, Pontevedra (2009); Fundación Eugenio Granell, Espazo In Situ, 36 Santiago de Compostela (2009); Galería Fúcares, Sala de Proyectos, Madrid (2006). Entre sus muestras colectivas: Centro Cultural Caixanova, Pontevedra (2009); MARCO, Vigo (2008); “Hot Art Fair Basel (Baelatîna)”, Suiza (2008); Sala Alcalá 31, Madrid (2008); CGAC, Santiago de Compostela (2006); Premios y Becas de Arte Cajamadrid, Madrid y Santander (2005). Tiene obra en las colecciones de: MUSAC, León; CGAC, y Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, Madrid. 37 15 Artista: Nedko Solakov (Bulgaria) Patio: Calle Parras, 5. Patio privado. Obra: A Visit (Una Visita) 2009. Vídeo 20 minutos. Las propuestas artísticas de Nedko Solakov se han concebido, en muchas ocasiones, como dispositivos de información capaces de generar en torno a sí una serie de sinergias que parecen constituir la verdadera sustancia de su trabajo. Para su participación en Córdoba, el artista ha vuelto a desarrollar esta estrategia mediante la producción de una pieza de video donde el encuentro y la conversación en torno al patio son los grandes protagonistas. Funcionando a la vez como escenario y como argumento, el patio es abordado por el artista a través de un juego de personajes que se encuentran en una visita filmada. Tales personajes son los propietarios de la casa, por un lado, el conocido actor español Fernando Tejero, por otro, y, en tercer lugar, el patio en sí. Texto en el video: Una Visita El 4 de octubre de 2009 el famoso actor español Fernando Tejero tocó en la puerta de la casa de Maribel Navajas y su esposo y pidió darle un vistazo al patio, uno de los mejores en Córdoba según la opinión local. El videasta Tete Álvarez y el técnico de sonido José Carlos Nievas filmaron la visita. Kalin Serapionov editó el material en Sofía mientras el artista Nedko Solakov viajaba por Europa occidental junto con su esposa, tratando de sentir desde la distancia los momentos de emoción vividos por Maribel Navajas al mostrarle sus flores y plantas favoritas a uno de sus actores favoritos, Fernando Tejero, y su adorable perro. La esposa del artista, Slava, quien posee una no menos impresionante colección de flores y plantas en su hogar en Sofía (y quien también gusta de ver seriales de televisión), ayudó al artista a mejor sentir 38 esta visita, a pesar de que él apenas sabe cosa alguna acerca de flores y seriales de televisión. A Visit On October 4th, 2009, the famous Spanish actor Fernando Tejero knocked on the door of the house of Maribel Navajas and her husband and asked to have a look at their patio – one of the best in Cordoba, as the locals used to say. The cameraman Tete Álvarez and the sound technician José Carlos Nievas filmed the visit. Kalin Serapionov edited the material in Sofia while the artist Nedko Solakov was travelling in Western Europe with his wife, trying to feel from a long distance the thrilling moments Maribel Navajas had while showing her favourite flowers and plants to one of her favourite actors, Fernando Tejero, and his adorable dog. The artist’s wife, Slava, who had a no less impressive collection of flowers and plants at home in Sofia (and who also loved watching TV serials) helped the artist feel better that visit even though he knew almost nothing about flowers and TV serials. NEDKO SOLAKOV Nació en 1957 en Tcherven Briag, Bulgaria. Vive en Sofía. Entre sus muestras colectivas: 48ª, 49ª, 50ª y 52ª ediciones de la Bienal de Venecia; 3a, 4a y 9ª Bienal de Estambúl; Bienal de São Paulo (1994); Manifesta 1, Rotterdam; ediciones 2 y 4 de la Bienal de Gwangju; 5ª Bienal de Lyon; 7a Bienal de Sharjah; 3a Bienal de Tirana; 2a Bienal de Sevilla; 2a Bienal de Moscú; documenta 12, Kassel; 16a Bienal de Sydney; Prospect 1, Bienal de Nueva Orleáns. Entre sus muestras individuales: Museu do Chiado, Lisboa; De Appel, Amsterdam; CCA Kitakyushu, Japón; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; The Israel Museum, Jerusalem; Centre d’Art Santa Monica, Barcelona; Kunsthaus Zurich; Galería de Arte de la Ciudad de Sofía. En 20032005 se presentó una retrospectiva de su obra en el Casino Luxembourg, el Rooseum Malmoe y O.K Centrum Linz. 39 16 Artista: Nina Yuen (EUA/Amsterdam) Patio: Calle San Basilio, 17. Patio privado. Obra: White Blindness (Ceguera blanca) 2009. Video-performance, 6 minutos. Interiores inventados y arquitecturas que se constituyen como hogar temporal de la artista durante el tiempo que dura la filmación de sus piezas. Estas son algunas claves del trabajo de Nina Yuen que adquieren mayor intensidad, si cabe, cuando éste se muestra en una casa privada. Esta video-performance pretende documentar una vivencia que al tiempo es íntima y compartida, sin resolver cual sea el límite entre una y otra dimensión. Si es que lo hubiera. Un propósito análogo a El patio de mi casa en su intento de concitar sin distingos, al menos durante el tiempo que dure la exhibición, esa doble lectura del espacio doméstico como expresión de vida interior y como escenario de lo público. Invented interiors and architectures serving as the artist’s temporary home – as long as the filming lasts – are key features in the work of Nina Yuen; they assume even greater significance when that work is screened in a private house. This video performance seeks to record an experience which is at once private and shared, without tracing the boundary between the two dimensions; if indeed there is one. The project echoes the goals of The Sky Within My House, in that both seek to provide – as long as the exhibition lasts – a dual reading of domestic space as the expression of inner life and the setting for public acts. NINA YUEN Nació en Hawaii en 1981. Se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Harvard en 2003. Se encuentra en residencia en la Rijksakademie, Amsterdam. Entre sus muestras colectivas: Total Museum, Portland Institute of Contemporary Art, e Institute of Contemporary Art, Boston. 40 Para más información: Fundación de Artes Plásticas Rafael Botí Óscar Fernández Coordinación de Proyectos 957. 49.65.20 [email protected] Fundación Córdoba Ciudad Cultural María José Martín Prensa y Comunicación 957.21.22.55 / 659.80.88.16 [email protected] 41